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This year’s Mostra del Cinema, as the Venice Film Festival is called locally, boasted an excellent competition programme, including a number of films produced by Amazon and Netflix, which had for this very reason been excluded from the Cannes competition. This also applies to the winning film, Alfonso Cuarón’s Roma, which took the Golden Lion on 8 September. Yet by bringing in the Netflix-backed films – a total of three in the competition alone – the festival boosted its market and industry programme through the presence of these players in non-theatrical distribution.

In honour of the jubilee edition, the oldest festival in the world had secured the now derelict building of the Hotel des Bains as an exhibition space for photos and posters from the 75 festival editions. The former hotel, the site of inspiration for Thomas Mann’s novella Death in Venice and setting of Luchino Visconti’s film, opened its doors (and fences) for the first time since 2010, when it was closed down to be converted into apartments, a conversion which remains, however, unachieved, thus leaving a heartbreaking sight.

The opening film, First Man by Damien Chazelle, was certainly an audience pleaser well suited for the purpose, with a fine performance of Ryan Gosling in the role of Neil Armstrong as he prepares for the first flight to the moon. Whilst the Cold-War atmosphere permeates the political backdrop, the film focuses on Armstrong’s personal life and his character, his seclusion, endurance and determination.

The first days of the festival were quite rich: Cuaron’s Roma, a black-and-white portrayal of a doctor’s family in Mexico City in 1971, screened first. The family – modelled on Cuaron’s parents, have two maids: Cleo is the nanny who looks mainly after the children and becomes the focal character. The film tells very much her story – her short affair with a local guy, her unwanted pregnancy, and the still birth of the child. The film reveals Cleo’s closeness to the children as it follows the breakup of the doctor’s marriage; Cuaron distances himself from the story by looking at the emotional strain from the perspective of Cleo, thus seeing events from the side. The distanced, observational mode makes for the film’s length, but allows the viewer to follow the flow of the domestic events as if there was no disruption due to the marriage collapsing, an event that remains almost peripheral, especially when set into the broader context of street protests that take place outside the windows but are watched by the attentive camera and the worried characters – and that do have a direct effect on Cleo’s fate. A similarly observational mode is adopted by Cuaron’s fellow-countryman Carlos Reygadas in Nuestro Tiempo, where the viewers watch the life of a family on a buffalo ranch as their marriage collapses. Thematically echoing some of the themes from Cuaron, but set in a contemporary world and shot in colour, the film penetrates the private lives and personal spaces of the characters, often uncomfortably so, and lacks the distance and calm of Cuaron’s movie.

The second film to screen on the first day of competition was Yorgos Lanthimos’s costume drama The Favourite, starring an exquisite Olivia Colman, who garnered the Best Actress award (Coppa Volpi). Colman has been largely known as television actress and made a notable impact in the series The Night Manager (directed by Susanne Bier, BBC, 2016), which won her a Golden Globe. She had also appeared in Lanthimos’ The Lobster in an episode, but here performs the role of Queen Anne, who in 1707 united England and Scotland as Great Britain. Yet the film shows little interest in her making and shaping of history, such as the achievement of a united Great Britain or the strengthening of the two-party system. Instead, Lanthimos focuses on the fragile human psyche that is subject to manipulation: Queen Anne is not only physically sick (obesity, diabetes, arthritis), but also mentally unstable – having lost at least 17 children through miscarriage, stillbirth or infant death. The film explores the sexual and political power-games at Anne’s court as she is manipulated by her Lady of the Bedchamber, Sarah Churchill, Duchess of Marlborough (played by Rachel Weisz). The Duchess’s powerful influence over the queen is gradually taken by Abigail, the later Baroness Masham (played by Emma Stone). As Sarah and Abigail fight over their influence over the queen (and the state), life at court becomes an increasingly corrupt affair, governed by women who manipulate the queen, their husbands and the men of the state. And yet, made by a male director, this film apparently does not speak enough of the power of women to satisfy those who have been screaming for a women’s quota in festival selection – of which more below. Reading the often subtle stories and images of films rather than counting female and male directors might be a more productive way forward in this matter. Another film set in England, now of the early 1800s, is Mike Leigh’s Peterloo, which stayed in the shadow of awards, but should be noted at least for the witty dialogue. It is a historical drama about the attempt of hunger-stricken workers in the north (Manchester) to demonstrate for their rights to vote and to a minimum wage – a film that might have sparked a certain resonance with the representation of voters in present-day Britain, but alas, did not.

The life of artists is a theme that preoccupied two competition films: Julian Schnabel’s film At Eternity’s Gate about Vincent van Gogh, which told us little new about the painter’s last years in the south of France, but included a stunning performance of William Dafoe, duly rewarded by the jury. He plays his part in a manner that attempts to explain away the painter’s psychiatric condition and make him appear ‘normal’. Florian Henckel von Donnersmarck’s Werk ohne Autor is ultimately a biopic of the artist Gerhard Richter, although the filmmaker ambitiously claimed to explore the relationship between victim and perpetrator in one family. As a biopic, the film is fascinating: Richter’s aunt, who inspired him to become an artist, was diagnosed with schizophrenia and became a victim of the Nazi extermination of ‘unworthy’ lives in camps. The doctor in charge of euthanasia happens to be Richter’s future father-in-law, after Richter had married Marianne Eufinger in his days in the GDR before moving to Dusseldorf to study modern art. However, the film denies biographical facts: the identity of very recognisable figures is obscured, even though it is hard not to recognise Joseph Beuys as Richter’s teacher; and the drama of victim and perpetrator (who is never uncovered in the film) also fails. Donnersmarck cannot decide whether he is making a biopic, a psychological detective drama or a historical film – plausible as the film covers the period from WWII into the late 1960s, and with it the division of Germany, and Europe, into East and West. It would seem that Donnersmarck is still clinging on to his 2005 drama The Life of Others and the impact of the divide of East/West on the human psyche – a film that had won him an Oscar and Hollywood celebrity status.

More Netflix-produced films were in competition: the Coen Brothers and their western-genre parody The Ballad of Buster Scruggs makes for hilarious viewing and was awarded the prize for best screenplay. Also in the western genre is Jacques Audiard’s The Sisters Brothers, a finely composed film scripted with Thomas Bidegain and based on an award-winning novel by Canadian novelist Patrick deWitt. The film exposes the power of the Californian gold rush and the control exercised by the Commodore through some killers, yet without ever forgetting the element of humour and the possibility of redemption that is usually absent from the genre. The film is Audiard’s first English-language film, starring John C. Reilly (who owns the rights for the adaptation) alongside Jake Gyllenhall and Joaquin Phoenix; it won Audiard the Silver Lion for Best Director. The third Netflix-backed production in competition was Paul Grengrass’s 22 July, which reflected – following Erik Poppe’s film Utoya 22 July that screened at the Berlinale – on the attack on Utoya in 2011, where Anders Breivik shot dead 69 schoolchildren in a youth camp. The film follows the fate of one of the survivors, Viljar, and his witness statement in court. Also following a crime investigation, but not based on real events, is David Oelhoffen’s Frères Ennemis, set in the Muslim community of French suburbia and following the policeman Driss (Reda Kateb) and his former classmate and thug Manu (Matthias Schoenaerts) who is recruited as police informant in Driss’s attempt to uncover crime and make his career – on the ‘good side’.

The only woman director in competition was Jennifer Kent with the film The Nightingale, which got some praise, although it appears rather to be a film included for the woman’s quota rather than its merit. If that’s what gets women’s films into competition, I’d rather forego the quota. A festival’s concern should be with good films, and producer’s concerns with allowing women access to filmmaking structures, but not in selecting films (or projects) to fill quotas. The film, set in the Australian wilderness, tells a revenge story of the female protagonist Clare, who pursues a Captain who raped her, killed her baby and her husband; yet she eventually relies on a man, her aboriginal guide whom she trust, to kill the perpetrator. Why Clare is able to quite brutally kill an already ailing helper to the original crime, but not the main perpetrator, remains a mystery.

Somewhat neglected in the official awards was László Nemes’s Sunset, praised in the international ratings by Michel Ciment and awarded the FIPRESCI prize. The film follows the journey of the Irisz Leiter (played by Juli Jakab), daughter of a once-famous millinery in Budapest, who returns from Trieste after her apprenticeship following the death of her parents. She finds herself in the midst of the turbulences and impending downfall of the Hungarian-Austrian Empire before the beginning of WWI. She arrives in Budapest to find that the new owner of the millinery, Oszkar Brill, will not hire her. The camera shows first her face hidden under a veil, before following her throughout the film, focussing largely on her nape. She dons the same light-blue straw hat (and white-and-blue dress), highlighting the colour of her (blue) eyes. Yet gradually Irisz is driven by – and obsessed with – a desire to find her lost brother Kalman – apparently a figment of her imagination. Yet how does a filmmaker render the vision and conduct of a person whose mind is split, who believes to trace her brother, speak a hitherto unknown part of her self, the dark side in her genealogy that would ultimately drive her into the trenches and make her ready for the violence of war? Nemes never gives us clues: in Son of Saul we never learn whether the body Saul tries to bury is actually that of his son or not. Here we never learn whether Kalman actually exists or not (most likely not); whether he was a killer, a terrorist, a political activist or not; whether Irisz drowned him in the Danube or not. What matters to the filmmaker is her transformation from a positive, determined and talented milliner with a summery dress and blue eyes – to a woman in a dark outfit with a black hat, whose eyes in the final scenes reflect this colour: as her nature changes, so does her appearance and the colour of her eyes. Nemes choses a more daring path in this film, one which challenges the viewer and destabilises our perception, as we are challenged to follow Irisz’s path – with the camera staring at her nape; and this is the internal journey of a schizophrenic. A stunning cinematic achievement.

Traduction française.

Le Festival du Film de Venise , aussi appelé Mostra Del Cinema, a présenté cette année une excellente sélection. Celle-ci comprenait notamment un certain nombre de films produits par Amazon et Netflix qui leur avaient valu d’être exclus de la compétition cannoise. On comptera d’ailleurs parmi ces films le lauréat du festival, Roma d’Alfonso Cuaròn, récompensé par un Lion d’or le 8 septembre 2018.

Cependant, au-delà de toute considération, il est à noter que l’ajout à la sélection des productions Netflix (au total trois en compétition), distribuées hors-salles, a redynamisé le marché et l’industrie du festival.

En l’honneur de cette édition anniversaire, le plus ancien festival du monde a sécurisé le désormais désaffecté Hôtel des Bains pour une exposition de photos et de posters des 75 éditions du festival. L’ancien hôtel, site d’inspiration de Thomas Mann pour son roman La Mort à Venise (également théâtre de l’adaptation filmique de Luchino Visconti), a ouvert ses portes (et ses barrières) pour la première fois depuis sa fermeture en 2010 pour cause de rénovation et de transformation en immeuble résidentiel. Une reconversion restée cependant inachevée et qui fait peine à voir.

First Man de Damien Chazelle était sans aucun doute, par sa dimension populaire, particulièrement adapté pour ouvrir le festival. Tout y est réuni pour séduire le plus grand nombre. Cerise sur le gâteau, on notera la bonne interprétation de Ryan Gosling dans le rôle de Neil Armstrong qui se prépare au premier voyage lunaire. Si l’atmosphère politique est contaminée par la guerre froide, le film se concentre avant tout sur le personnage d’Armstrong et sa vie personnelle, sa solitude, son endurance et sa détermination.

Le festival était bien lancé et les premiers jours furent plutôt réjouissants. À commencer par Roma d’Alfonso Cuaron qui dresse le portrait en noir et blanc de la famille d’un médecin à Mexico en 1971. La famille, inspirée de celle du réalisateur, compte également deux domestiques. Cléo, la gouvernante chargée principalement des enfants, devient vite le personnage sur lequel on s'attarde. La dramaturgie tourne avant tout autour de son histoire. Principalement, il sera question de sa courte aventure avec un homme du coin et sa grossesse non-désirée qui aboutit à un enfant mort-né. Roma révèle peu à peu la proximité de Cléo avec les enfants à la suite de la séparation des deux parents. Cuaron se détourne alors quelque peu de l’histoire pour travailler au développement d’une tension émotionnelle vue au travers du regard de Cléo avec une approche périphérique des événements. Ce mode distancié accentue la longueur du film mais permet au spectateur d'observer et de suivre le flux des événements dépourvus de toute perturbation conséquente à l’effondrement matrimonial. Un fait qui reste secondaire au regard d’un contexte plus large (manifestations de rue qui n’ont aucune incidence sur le destin de Cléo et désolidarisées du récit par les positions de caméra).

On retrouve ce parti pris de mise en scène dans le nouveau film de Carlos Reygadas (compatriote de Cuaron), Nuestro Tiempo. Le film adopte un point de vue à partir duquel les spectateurs observent la vie d’une famille d’éleveurs de bisons qui fait face à l’effondrement de leur mariage. Même si le film est en couleurs et se déroule à notre époque, on ne peut nier que les thématiques font écho au film de Cuaron. À la différence que le film s'insinue dans la vie privée et l’espace des personnages de manière parfois gênante et qu'il manque un peu de la distance et de l'apaisement de Roma.

La deuxième film très attendu de ce début de festival était le film en costumes The Favourite de Yorgos Lanthimos. Le film bénéficie du travail d'Olivia Colman (exceptionnelle) qui a remporté d’ailleurs le prix de la meilleur actrice (Coppa Volpi) pour son interprétation. Colman était principalement connue pour sa carrière à la télévision, notamment pour son rôle d’Angela Burr dans la série de la BBC The Night Manager (Susan Bier, 2016) qui lui a valu un Golden Globe. On se souvient d’elle également pour son apparition dans le précédent film de Lanthimos, The Lobster. Cette fois-ci elle incarne la reine Anne d’Angleterre, qui unifia en 1707 les royaumes d’Angleterre et d’Écosse qui finirent par constituer le Royaume-Uni.

Le film explore très peu la dimension historique du personnage en tant que fondatrice d’un royaume unifié ou du renforcement d’un système bipartisan et se concentre davantage sur la psyché humaine, fragile et sujette à la manipulation. La reine Anne n’est pas seulement souffrante physiquement (obésité, diabète, arthrose), elle est aussi mentalement instable : fausses couches, morts nés, morts subites (la reine aura perdu au total 17 enfants). Le film explore les jeux de pouvoirs, politiques comme sexuels, à la cour de la Reine Anne tandis que cette dernière se fait manipuler par sa dame de chambre, Sarah Churchill, la Duchesse de Marlborough (interprétée par Rachel Weisz).

La puissante influence de la Duchesse sur la Reine s’estompe petit à petit et cette dernière est graduellement remplacée par Abigail, la future Baronne Masham (Emma Stone). Alors que Sarah et Abigail se disputent l'attention de la reine (et in extenso pour avoir de l'influence sur l’état), la vie à la Cour est marquée par une corruption qui ne cesse de se développer, fomentée par des femmes qui manipulent la reine, leur mari et les hommes d’État. Et pourtant, réalisé par un réalisateur (masculin), le film ne semble pas assez mettre en lumière la prise de pouvoir des femmes pour que cela satisfasse ceux qui avaient milité pour avoir des quotas dans la sélection officielle (voir ci-après pour ce qui est du film de la seule réalisatrice en compétition). Quant à cette dernière problématique, il serait sûrement plus productif de se rappeler que les qualités d’un film et la valeur d'un festival se déterminent à partir des subtilités induites par les images et l’histoire plutôt que de chercher à les mesurer par le nombre de réalisateurs et réalisatrices présents en compétition.

Fut également présenté un autre film qui se déroule en Angleterre, cette fois à l’aube du XIXe siècle, Peterloo de Mike Leigh. Le film est revenu bredouille mais il aurait pu prétendre à mieux, notamment pour ses dialogues pleins d’esprit. Peterloo est un drame historique qui relate la grève de la faim de travailleurs du nord de l’Angleterre (Manchester) entamée pour revendiquer le droit de vote et un salaire minimum. Un film qui aurait pu être estimé pour une certaine résonance avec la représentation des électeurs de l’Angleterre actuelle mais, hélas, ce ne fut pas le cas.

Deux films de la compétition se sont penchés sur la thématique de la vie d’artiste. D’abord le film de Julian Schnabel sur Vincent Van Gogh, At Eternity’s Gate. Le film approche en surface les dernières années de l’artiste dans le sud de la France et bénéficie du jeu exceptionnel de Willem Dafoe dans son interprétation qui fut par ailleurs récompensée par le jury. Dafoe incarne son personnage de manière à expliciter la condition psychiatrique du peintre et œuvre à l’inscrire dans une normalité singulière.

Florian Henckel Donnersmarck s’inspire quant à lui de la vie de l’artiste Gerhrard Richter. L’intention première du réalisateur est d’explorer la relation entre victime et bourreau dans une même famille. En tant que biopic, le film est fascinant : la tante de Richter qui l’inspira à devenir un artiste est diagnostiquée atteinte de schizophrénie. Elle devient alors une autre victime des camps pour les « vies indignes » inscrites plus globalement dans les programmes de l’extermination nazie. Le médecin en charge de l’euthanasie s’avèrera être le futur beau-père de Richter que ce dernier viendra à rencontrer en RDA avant qu'il ne parte pour Düsseldorf (pour étudier l’art moderne) et qu'il eut pris pour épouse Marianne Eufinger.

Cependant, le film se refuse à une approche purement biographique. L’identité de personnages aisément identifiables reste obscure quand bien même il est difficile de ne pas reconnaître Joseph Beuys dans le rôle du professeur de Richter ; il en est de même pour le schéma de la victime et du bourreau (qui n’est jamais dévoilé dans le film). Donnersmarck ne semble pas arriver à choisir : son film est-il un biopic ? Une intrigue psychologique ou un film historique ? Cette dernière orientation serait d'ailleurs plausible en raison de la période historique couverte par la narration (la division Est-Ouest de l’Allemagne et de l’Europe depuis la Seconde Guerre Mondiale jusqu'à la fin des années 60). Donnersmarck semble plus s’attacher aux problématiques déjà soulevées dans La Vie des Autres (Film qui lui a valu l’oscar du meilleur film étranger et une certaine célébrité à Hollywood en 2005) : l’impact de la division Est/Ouest sur le collectif.

Parmi les autres films de la compétition produits par Netflix, on peut mentionner le Western parodique des Frères Coen, The Ballad of Buster Scruggs. Film qui, en plus d’avoir fait rire les festivaliers, a été récompensé du prix du meilleur scénario. Pour rester dans le western, il y a eu aussi The Sisters Brothers, adapté du best-seller du canadien Patrick deWitt et adapté par Thomas Bidegain et Jacques Audiard. Film finement mis en scène par ce dernier. The Sisters Brothers se penche sur l’attrait de l'or qui a provoqué une certaine Ruée en Californie. Le film s'attarde sur le fonctionnement de la société et notamment le contrôle des Commodores exercé par le biais d’assassins. The Sisters Brothers n'omet cependant pas de placer des passages humoristiques et une possibilité de rédemption souvent absente du genre. Le film est la première production anglophone de Jacques Audiard, lauréat du Lion d’argent du meilleur réalisateur, et se distingue aussi par son casting avec John C. Reilly (propriétaire des droits d’adaptation), Jake Gyllenhall et Joaquin Phoenix.

La troisième production Netflix en compétition, 22 July de Paul Greengrass, fait écho au film d’Erik Poppe Utoya 22 présenté lui à la Berlinale. 22 July revient sur la fusillade d’Utoya en 2011 perpétrée par Anders Breivik qui tua 69 écoliers dans un camp de jeunes. Le film se concentre sur l’un des survivants du massacre, Vijar, et se développe autour de ses témoignages au tribunal. Dans le même thème de l’enquête criminelle, mais non inspiré de faits réels, nous fut présenté Frères Ennemis de David Oelhoffen. L’intrigue du film se déroule dans les banlieues à forte communauté musulmane et suit l’histoire d'un policier, Driss (Reda Kateb) et de son ancien camarade de classe, désormais voyou, Manu (Matthias Schoenaerts). Ce dernier va devenir informateur pour Driss dans l’espoir de l'aider à résoudre l’enquête mais aussi d’une possible rédemption.

La seule réalisatrice en compétition fut Jennifer Kent venue présenter The Nightingale. Le film reçut quelques éloges bien qu'il semble avoir été inclus dans la compétition davantage pour satisfaire une demande de quotas que pour un véritable mérite filmique. Si c’est sur de pareilles considérations que des films de réalisatrices vont s’inviter en compétition de prestigieux festival, il serait pertinent d’oublier les principes de quotas. Cette problématique devrait être plus prise en considération en amont, c’est-à-dire par les producteurs de cinéma (en donnant plus d’accès aux femmes à la réalisation). Ce n'est pas là le rôle d'un festival. Un festival de cinéma devrait avoir pour seule mission de trouver de bons films et non d'en sélectionner certains pour satisfaire des exigences politiques ou sociales. Le film se déroule dans le bush australien. Là, la protagoniste, Clare, poursuit un capitaine coupable de l’avoir violée et d'avoir tué son enfant et son mari. De fil en aiguille elle en arrive finalement à laisser un autre homme, son guide de confiance et aborigène, tuer le violeur. Pourquoi Clare parvient elle à tuer brutalement les complices du crime mais est incapable de tuer l’auteur principal ? Cela reste un mystère.

Curieusement boudé du palmarès, le dernier film de Laszlo Nemes, Sunset, a cependant été encensé par la critique. Il fut l'un des films préférés de Michel Ciment et il a obtenu le prix de la FIPRESCI. Le film raconte le voyage d’Irisz Leiter (Juli Jakab), fille d’un chapelier autrefois célèbre, qui revient de Trieste où elle a grandi à la suite de la mort de ses parents. Elle se retrouve alors au beau milieu de la chute de l’empire Austro-Hongrois dans les prémices de la Première Guerre mondiale. Elle arrive à Budapest et comprend très vite que le nouveau propriétaire de la chapellerie, Oszkar Brill, ne compte pas l’engager. La caméra montre d’abord son visage dissimulé sous un voile, avant de la suivre tout au long du film en se concentrant principalement sur le personnage de dos. Elle est toujours parée du même chapeau de paille bleu-ciel (et d’une robe bleue et blanche), qui mettent en valeur la couleur de ses yeux (bleus également). Progressivement, Irisz est motivée, voire même obsédée, par le désir de retrouver son frère disparu, Kalman, qui semble hanter son imagination. Comment un cinéaste est-il capable de retranscrire la vision et l’attitude d’une personne dont l’esprit est divisé ? Elle croit en sa quête et demeure à l’écoute d’une partie de sa personnalité jusqu’ici inconnue. Nourrie par cet aspect sombre de sa généalogie, cette conscience de soi l’amènera finalement dans les tranchées et la préparera aux violences de la guerre.

Nemes ne nous laisse aucun indice. Dans Le Fils de Saul nous ne saurons jamais si le corps que Saul tente d’enterrer est, ou n’est pas, celui de son fils. Ici, nous ne savons pas si Kalman existe ben et bien (probablement pas) ; si, oui ou non, il était un assassin, un terroriste, un activiste politique et même si Irisz l’a vraiment noyé dans le Danube ou non. Ce qui importe aux yeux du cinéaste, c’est la transformation d’une chapelière aux yeux bleus, positive, déterminée et talentueuse en une femme vêtue de noir (chapeau comme robe) dont les yeux, dans la scène finale, reflètent également cette couleur. Au gré de son changement de nature profonde, la couleur de ses yeux et son apparence changent. Nemes opte pour un parti pris audacieux qui défie le spectateur et le déstabilise. Le spectateur est ici particulièrement sollicité puisqu’il doit accompagner le cheminement d’Irisz (position de caméra focalisée sur son dos) et, d’autre part, le cheminement intérieur d’une schizophrène ? Une véritable prouesse cinématographique.

Texte traduit par Sacha Samuel Debard.